[2011]
Über Martin Pfeifle
Julia Ritterskamp
Martin Pfeifle arbeitet raumbezogen. Es findet jedoch keine Verschmelzung mit der Umgebung statt. Im Gegenteil: Seine Installationen setzen Akzente und provozieren Brüche, die scheinbar paradox die vorhandene Architektur betonen. Der Künstler kommuniziert mit dem Raum und lässt eine Bühne entstehen, auf welcher der Betrachter gleichzeitig Protagonist und Zuschauer ist. Ohne traditionelle Ausstellungsorte in Frage zu stellen, erweitert Pfeifle durch seine Eingriffe in den öffentlichen Raum den Einfluss von Kunst und stellt den Betrachter mitten hinein. Das „Gegenübersein“, als Möglichkeit, die Distanz zu wahren, wird aufgegeben. Er verwendet für seine Arbeiten vorwiegend leichtes, im klassischen Sinne kunstfremdes Material. Durch die Größe und die ästhetisch höchst anspruchsvolle Konzeption der Werke verwandelt sich auf diese Weise etwas Fragiles so zu etwas Mächtigem und etwas Alltägliches zu einem Juwel. Für die Arbeit „Rotemartha” zieht Pfeifle riesige Bahnen knallroter Plastikfolie als perfekt platzierte Akzente durch die geschichtsträchtigen Räume der ehemaligen Reichsabtei Aachen-Kornelimünster. In dieser Gegenüberstellung bekommt die profane Folie plötzlich den gleichen Stellenwert wie die erhabenen Architektur- und Schmuckelemente aus dem 18. Jahrhundert. Als nur bedingt berechenbare künstlerische Mittel werden Licht, Wind, Gerüche und das Wetter eingesetzt. So reflektieren zum Beispiel die durch Metalliclack edel erscheinenden Oberflächen Sonnen- oder Kunstlicht. Und beim „HAW Pavillon” bauschen sich Plastikstreifen im schwachen Wind wie ein Baströckchen; kommt eine steife Brise, fliegt alles hoch und gibt den Blick auf die Wiese frei. Bei warmen Temperaturen vermag der drückende Plastikgeruch von „flexy” beim Betrachter diffuse Erinnerungen zu wecken. Die Installationen von Martin Pfeifle sind größtenteils an einen Ort gebunden, wodurch der Künstler bewusst auf Dauerhaftigkeit verzichtet. Schönheit wird als flüchtiger Moment inszeniert. Die Vergänglichkeit ist allgegenwärtig.
Martin Pfeifle’s works are space-related, yet they do not blend into their surroundings. On the contrary, his installations make points and provoke breaches that underscore, seemingly paradoxically, the existing architecture. The artist communicates with the space, creating a stage on which the viewer is both protagonist and spectator. Without questioning traditional exhibition venues, Pfeifle extends the influence of art through his interventions into public space and places the spectator at the heart of things. As a possibility of maintaining a certain distance, that state of “being opposite” is abandoned. For his works Pfeifle uses mainly light, art-alien material, in the classical sense. Thanks to the size and the aesthetically very ambitious concepts of his works, something fragile is transformed into something powerful, and something commonplace into a jewel. For the work Rotemartha, Pfeifle stretched huge bands of bright red plastic foil throughout the historical rooms of the former imperial abbey of Aachen-Kornelimünster, as perfectly placed accents. Through this confrontation, the profane foil suddenly has the same status as the sublime 18th century architectural and decorative elements.
The artist also uses other more incalculable artistic means, such as light, wind, smells and the weather. For example, sunlight and artificial light are reflected in the metallic paint of surfaces which consequently seem precious. And in HAW Pavillon, strips of plastic billow like a grass skirt in a slight breeze; if the breeze gets stronger, it all flies upwards, revealing a view of the meadow. When the temperature is warm, the oppressive smell of plastic in flexy is capable of awakening various memories in the viewer. Martin Pfeifle’s installations are mostly siterelated, so the artist deliberately eschews permanence. Beauty is staged as a fleeting moment; transience is omnipresent.
Julia Ritterskamp