[2011]
Real Trucks Drive over Everything
Sabine Maria Schmidt
Wie steht das Kunstwerk zu uns, wo steht es und wo stehen wir? Diese entscheidende Frage über den „Kunstraum“ (der dem Werk immanente ästhetische Raum) und dessen Verbindung mit dem „Realraum“ (der Raum, in dem der Betrachter sich befindet) ist ein wichtiger Ausgangspunkt zur Rezeption der Interventionen des Künstlers Martin Pfeifle.
Am entschiedensten hatte der amerikanische Minimalismus versucht den Realraum der Kunstwahrnehmung zum eigentlichen Kunsterfahrungs-Raum umzuschichten. Ebenso wie dort setzt Pfeifle den Körper des Betrachters als elementares Erfahrungsinstrument ein und kalkuliert zudem unsere Erinnerung und Kenntnis an diese Kunst mit ein.
Die vierzehn massiven Kuben auf dem Parkplatz an der B1/A40 entsprechen dem Volumen eines über vier Meter hohen Laderaumes eines LKW’s. Die an Container erinnerenden Blöcke sind mit spiegelnder Aluminiumfolie umzogen, so daß ein Wechselspiel zwischen außen und innen, kompakter und offener Form, Ordnung und Unordnung entsteht. Der Titel „box 112%“ suggeriert eine leichte Vergrößerung des Ursprungsvolumens, überprüfen können wir es nicht. Ebenso können wir die Arbeit nie gänzlich erfassen, müssen sie erkunden, ihrer räumlichen und gar zeitlichen Struktur nachspüren. Das Volumen ist fragmentiert, saugt zugleich den sich spiegelnden Umraum in sich hinein, der eine völlig Umdeutung erfährt.
Kann der Raum mehr leisten als ein Bild, als eine Skulptur? Die Installationen Pfeifles beantworten diese Frage nahezu selbstverständlich. In der Reichsabtei Aachen-Kornelismünster verspannte der Künstler die Räume mit PVC-Folie in sechs verschiedenen Rot-Tönen. Der farbmalerische Gestus der Arbeit verschmilzt mit der skulpturalen der Verspannung, die zugleich eine Blockierung der Raumfluchten als auch ihre Akzentuierung bedeutet. Künstlerischer Eingriff und vorgebene Architektur dynamisieren sich gegenseitig und schaffen ein komplexes Verwirrspiel, in dem nicht mehr zu unterscheiden ist, was Bild und was Träger, was Volumen und was Fläche, was bewegt und was still, was fest und was weich ist.
Martin Pfeifles Installationen entstehen immer ortsbezogen und in situ, verändern den Raum nur für eine gewisse Dauer und entziehen sich durch ihr anschließendes Verschwinden (oder Wiederverwerten der Materialien) einem nachfolgenden Kreislauf als Warenobjekt.
Mit geometrischen Gliederungen, einfachen Konstruktionsprinzipien, einer dezidierten Auswahl von Industrie- und Baumaterialien, Verzicht auf eine Handschrift gelingt es Pfeifle auch das Monumentale und Ephemere ohne Pathos, Erzählung oder Botschaft neu zu artikulieren.
What is the artwork's standpoint with respect to us, where does it stand, and where do we stand? This, the decisive question regarding the "space of art" (the aesthetic space immanent to the work) and its connection to the "real space" (the space in which the beholder is situated) is an important point of departure for an attempt to read the interventions the artist Martin Pfeifle stages.
American Minimal Art undertook the most determined effort to restructure the real space of the perception of art into the space proper of the art experience. Like the Minimalists, Pfeifle employs the beholder's body as an elementary instrument of experience, taking into our account, moreover, our recollections of, and familiarity with, this earlier art.
The fourteen massive cubes at a rest area on the 81/A40 highway correspond to the volume of a truck rising to a height of more than four meters. The blocks, whose shapes recall containers, are coated with reflective aluminum foil, giving rise to an interplay between outside and inside, compact and open forms, order and disorder. The title, box112% (2010), suggests that the original volume has been slightly enlarged; we cannot test this assumption. Nor can we ever take in the entire work at once; we are compelled to explore it,
to trace its spatial and even temporal structure. The volume appears fragmented and at once sucks in the surrounding space that appears reflected in it, undergoing profound reinterpretation.
Can space accomplish more than an image, more than a sculpture? Pfeifle's installations propose an answer to this question as almost self-evident. At the former Imperial Abbey of Aachen-Kornelimünster, the artist stretched sheets of PVC foil in six different shades of red through the exhibition rooms. The work's gesture, a suggestion
of painting, fuses with the sculptural insertion into space, wh ich at once blocks and accentuates architectonic vistas down suites of rooms. The artist's intervention and the architecture present at the site reinforce each other's dynamism, generating a complex puzzle in which we can no longer tell image from support medium, volume from surface, moving from static elements, firm from soft.
Pfeifle's site-specific installations are always created in situ, changing a space for a certain period of time; their subsequent disappearance (or the recycling of the materials) prevents their circulation as commodity-objects.
With their geometric structures, simple constructive principles, and deliberately selected industrial and building materials, and by forgoing all tokens of artistic individuality, the artist achieves a novel articulation even of the monumental and the ephemeral that avoids the registers of pathos, narrative, or message.
Sabine Maria Schmidt