[2018]
Das Prinzip der Einfachheit
Madeleine Frey
Das verquickende Element Martin Pfeifles zu seinen Arbeiten ist die Verbindung. Dabei darf dieses Wort sowohl im metaphorischen Sinne, als auch im wörtlichen Sinne verstanden werden. Anhand von vier Prinzipien – der In-situ-Arbeitsweise, die Auseinandersetzung mit Architektur, der Behandlung von Materialien und der Übertragung von großen raumbezogenen Installationen in portable Editionen – werden Verknüpfungen auf unterschiedlichen Ebenen geschaffen.
Die ortsspezifische Arbeitsweise setzt voraus, dass sich der Künstler mit den Gegebenheiten, die er für eine Ausstellung oder eine Arbeit vorfindet, auseinandersetzt. Dies kann durch die Architektur des Ausstellungsraums, aber auch durch die jeweilige Situation, in der sich Pfeifle befindet, bestimmt sein. Bei einem Stipendienaufenthalt auf Mallorca verband der Künstler das Nützliche mit dem Schönen. Anstatt im Atelier zu arbeiten, filmte er beim Rennradfahren den Asphalt. Die monotone Farbe des Straßenbelags verändert sich nur infolge von unterschiedlichen Tempi des Fahrens, des Sonnenstands und die dadurch entstehenden Schatten. Präsentiert werden diese Aufnahmen dann in der Arbeit RATX, einer großen Videoinstallation, die sich wiederum mit den örtlichen Gegebenheiten des Ausstellungsraums befasst: Im Oktogon der Galerie Stadt Sindelfingen werden großflächig, auf sieben Wänden die Filme abgespielt. Die Besucherinnen und Besucher tauchen in eine immersive Videoumgebung ein. Die Architektur – der Kern des Oktogons besteht aus einem Zylinder – zwingt die Betrachterinnen und Betrachter dazu, sich ebenfalls in Bewegung zu setzen, um die ganze Installation erfassen zu können.
In einem direkten Bezug zur Architektur, in diesem Fall ebenfalls zum Sindelfinger Museum, steht die Arbeit KON, einer Serie aus zehn Leuchtobjekten. Die einzelnen Elemente bestehen aus konzentrischen Kreisen, an denen jeweils acht Neonröhren angebracht sind, so dass ein Leuchtzylinder entsteht. Diese Zylinder nehmen die runde Form des Fensters der Lichtnische der Galerie auf. Ausgehend von dieser Architektur sind die Skulpturen hängend an der Decke ausgerichtet und ziehen sich über mehrere Räume hinweg, um den natürlichen Lichteinfall fortzusetzen. Schließlich treffen die Lichtelemente im nächsten Ausstellungsraum auf den Lichteinfall der dortigen Raumfenster. Pfeifle zeichnet mit der mehrteiligen Skulptur den Lichtweg der Architektur nach und stellt einen Bezug zu sowohl der Funktion als auch der Form her, indem er beides kombiniert.
Der bedeutungsvolle Umgang mit Materialien ist neben dem Prinzip der ortsbezogenen Arbeitsweise und dem damit verbundnenen Bezug zur Architrektur ein drittes. Als Bildhauer recherchiert Pfeifle seine Materialien. Im Gegensatz zur Arte Povera, wo „arme“ Materialien wie Erde, Stein, Holz oder Glas verwendet werden, nutzt Pfeifle nicht arme, sondern vorhandene Materialien. Die Arte Povera nutzte Rohstoffe mit einer Symbolkraft. Pfeifle hingegen verwendet Materialien, die bereits einen Verarbeitungsprozess durchschritten haben. Dabei sind für ihn nicht die Bedeutung oder der Herstellungsprozess von Interesse, sondern die „ästhetische Kategorie“.[1] So besteht rexxx, eine große schwarze Wand, die sich über mehrere Räume und Stockwerke hinweg zieht, aus schwarzem Schaumstoff. Der Schaumstoff stammt aus der industriellen Verarbeitung, ist überschüssig und somit im industriellen Sinne nicht nutzbar. Auf der Suche nach einem einerseits massiv wirkenden Körper und einer andererseits leichten Konstruktion stieß Pfeifle auf eben dieses Material. Es ist ein Stoff mit ästhetischer Substanz und einfacher Handhabung. rexxx verbindet den Pfeifleschen Umgang mit Ästhetik und Farbe, die Beschaffenheit des Materials sowie den Umgang mit Architektur und der Situation vor Ort, in dem die Wand einen konkaven Halbkreis formt und so als Architektur in der Architektur funktioniert.
Neben den großen, oftmals mit architektonischen Bezügen, begehbaren Installationen, entwickelt Pfeifle auch kleine Editionen. Beispielsweise sind FINAN und flowpole Edition MIWO aus einer raumgreifendenden Installation entstanden. Nach dem Abbau einer großen Plastik bleibt die Edition: als Großes im Kleinen. In Bilderrahmen eingepasst können sie an jedem Ort hängen. Sie sind so nicht mehr an die Situation gebunden oder von der Architektur abhängig.
Für die Ausstellung im Sindelfinger Freibad kehrt Martin Pfeifle dieses Prinzip um. Zunächst entstand die Edition terr: Schwarz-weiß gestreifte DIN-A3-Blätter werden unterschiedlich gefaltet und in einen Bilderrahmen auf einem roten HKS-Farbsystem gefasst. Das immer gleiche Prinzip führt durch die Faltung zu einer immer anderen Form. Fünf dieser Formen werden als „soziale Plastik“ im Sindelfinger Freibad als begeh- und benutzbare Installation während der Freibadsaison aufgebaut. Der Begriff „soziale Plastik“ wurde von Joseph Beuys geprägt und meint in erster Linie den erweiterten Kunstbegriff, mit dem Beuys eine gesellschaftsverändernde Kunst vermitteln wollte.[2] Pfeifle präsentiert diese Idee in einer aktuellen Version: Die Kunst, die vom Künstler geschaffen wird, geht auch hier wieder auf die jeweilige, ortsspezifische Situation ein. Die Plattformen, also die Kunst im Sindelfinger Freibad und somit auch im öffentlichen Raum, ist von den Menschen vor Ort benutzbar. Die Plattformen sind Liege- und Spielwiese, Bühne und ästhetisches Konzept in einem. Dort wo sich Menschen in ihrer Freizeit treffen, um sich zu erholen, zu sonnen und zu baden, wird reagiert. Das Kunstwerk ist für diesen Zweck bestimmt. Wäre die Kunst in der Parkanlage des Freibads eine monumentale Skulptur, die nicht betretbar, sondern nur zu bewundern wäre, so würde sie für sich stehen und würde die museale Aura lediglich ins Freibad transportieren. In dem Moment, in dem die Skulptur Teil des gesellschaftlichen Konsenses und des gesellschaftlichen Lebens vor Ort wird, ist sie sozial. Die Kunst ist für den Menschen da und darf ein Teil des sozialen Lebens werden. Pfeifle vereint also die künstlerische Arbeit mit den Erwartungen vor Ort und macht sie somit buchstäblich nutzbar.
Somit liegt es auf der Hand das Pfeifle in seinen Arbeiten das Schöne mit dem Nützlichen und das Vorhandene mit dem Notwendigen vereint. Dabei ist stets die Situation vor Ort der Ausgangspunkt aller Überlegungen. Wo die Kunst auf den ersten Blick als simpel erscheint, steht ein aufwendiges, wohldurchdachtes Konzept dahinter. Das Ergebnis sind ästhetische Gesamtkonzepte, die immer in Interaktion mit dem sozialen Raum stehen. Das Prinzip der Einfachheit, das Pfeifles Installationen und Skulpturen vermitteln, sind sozial gedacht, ganz nach dem Beuys’schen Prinzip, dass Kunst nicht nur materiell erfassbar ist, sondern „gleichermaßen die auf soziale Konsequenzen hin reflektierende Handlungen erschließen“.[3]
[1] Wagner, Monika: Das Material der Kunst: Eine andere Geschichte der Moderne. München: C.H. Beck, 2001, S. 12.
[2] Barbara Lange: Soziale Plastik, in: DuMonts Begriffslexikon zur zeitgenössischen Kunst, 2. Aufl., hrsg. von Hubertus Butin, Köln 2014, S. 323‒326.
[3] ebd., S. 323.
The principle of simplicity
The amalgamating element in the works of Martin Pfeifle is connection, a word that in this context may be understood both in the metaphorical and in the literal sense. Links between various levels are created based on four principles: the in situ work method, the involvement with architecture, the treatment of materials and the translation of large, room-related installations into portable editions.
The work method specific to the location premises that the artist come to grips with the pre-existing circumstances for an exhibition or a work. This can be defined by the architecture of the exhibition space, but also by the situation in which Pfeifle finds himself. The artist combined the useful with the beautiful during a scholarship residency on Majorca. Instead of working in the studio, he filmed the asphalt while riding his racing bike. The monotone colour of the road surface only changes as a consequence of the various riding speeds, the position of the sun and the resulting shadows. These recordings were then presented in the work RATX, a large video installation, which in turn occupies itself with the local circumstances of the exhibition space: the films are played in large format on seven walls in the Octagon of the Galerie Stadt Sindelfingen. Visitors submerge themselves in an immersive video environment. The architecture (the core of the Octagon consists of a cylinder) forces viewers to also keep moving in order to be able to appreciate the entire installation.
The work KON, a series of ten light objects, stands in a direct relationship with the architecture, also in this case with the Sindelfingen museum. The individual elements consist of concentric circles, to each of which eight neon tubes are attached, resulting in a light cylinder. This cylinder adopts the round form of the gallery’s light niche window. Taking this architecture as the starting point, the sculptures are aligned hanging from the ceiling and extend from the atrium through several successive rooms, in order to continue the incidence of natural light. The artificial light elements ultimately meet the natural light incidence from the window in the main exhibition room. With this multiple component sculpture, Pfeifle traces the light path of the architecture and creates a relationship to both the function and the form by combining both.
Meaningful engagement with materials is a third principle, in addition to the principle of the work method specific to the location and the related reference to the architecture. As a sculptor, Pfeifle researches his materials. In contrast with Arte Povera, where ‘poor’ materials like earth, stone, wood or glass are used, Pfeifle does not use poor, but rather available materials. Arte Povera used raw materials with symbolic power. Pfeifle, in contrast, uses materials that have already passed through a sequence of processing. In the process, it is not the meaning or the manufacturing process that are of interest to him, but rather the ‘aesthetic category’.[4] Thus, rexxx, a large black wall extending over several rooms and storeys, consists of black foam. The foam originates from industrial processing, is a surplus product and thus not usable in an industrial sense. It was precisely this material that Pfeifle came across in searching for a substance that appears solid while at the same time having a light design. It is a material with an aesthetic substance that allows easy handling. rexxx combines Pfeifle’s engagement with aesthetics and colour, the properties of the material and his involvement with the architecture and the situation in the specific location, in which the wall forms a concave semi-circle, thus functioning as architecture within the architecture.
In addition to the large, accessible installations, which often have architectural references, Pfeifle also develops small editions. For example, FINAN and flowpole Edition MIWO originated in a large-scale installation. The edition remains following the dismantling of a large sculpture: something big in a small form. These editions can hang anywhere when fitted in picture frames. They are thus no longer bound to the situation or dependent upon the architecture.
Martin Pfeifle turns this principle on its head for the exhibition in the Sindelfingen outdoor pool. The terr edition came first: black-and-white striped DIN A3 sheets are folded in various ways and fitted in a picture frame on a red HKS colour system. Through the folding, the principle, which remains identical, always results in different forms. Five of these forms are set up as ‘social sculpture’ in the Sindelfingen outdoor pool as an accessible and usable installation during the outdoor pool season. The term ‘social sculpture’ was coined by Joseph Beuys and is primarily the expanded concept of art with which Beuys hoped to convey an art that could bring about social change.[5] Pfeifle presents this idea in a current version: the art created by the artist also here once again addresses the location-specific situation. The platforms, meaning the art in the Sindelfingen open-air pool and thus also in public space, can be used by people on this site. The platforms are a sunbathing and play lawn, stage and aesthetic concept in one. The reaction takes place in the place where people meet during their leisure time to relax, sunbathe and swim. The work of art is intended for this purpose. If the art in the park grounds of the outdoor pool were a monumental sculpture that was not accessible, but could only be admired, it would stand only for itself and would only transport the museum aura to the pool. The sculpture is social at the point when it becomes part of the societal consensus and the social life of this spot. The art is there for people and is allowed to become a part of social life. Pfeifle thus unites the artistic work with the expectations on this site and in this way makes it literally usable.
It is thus perfectly obvious that Pfeifle is uniting the useful with the beautiful and the existing with the necessary in his works. In the process, the specific location is always the starting point for all considerations. While his art appears simple at first glance, a sophisticated, carefully thought out concept can be found behind it. The result is aesthetic overall concepts that are in constant interaction with the social space. The principle of simplicity conveyed by Pfeifle’s installations and sculptures are conceived to be social, entirely in keeping with Beuys’ principle that art is not registered only in a material sense, but ‘equally makes actions reflecting on social consequences accessible’.[6]
[4] Wagner, Monika, Das Material der Kunst: Eine andere Geschichte der Moderne (Munich: C.H. Beck, 2001), p. 12.
[5] Lange, Barbara, ‘Soziale Plastik’, in DuMonts Begriffslexikon zur zeitgenössischen Kunst, 2nd edition, edited by Hubertus Butin (Cologne 2014), pp. 323–26.
[6] Ibid., p. 323.
Madeleine Frey